明代戏曲理论家王骥德在《曲律》中提到：“古四方之音不同，而为声亦异，于是有秦声，有赵曲，有燕歌，有吴歈，有越唱，有楚调，有蜀音，有蔡讴。”一方水土孕育一方艺术，正是由于地域文化的差异，才催生了中国戏曲的不同剧种，京剧的宏美、昆曲的雅美、豫剧的和美、越剧的柔美、黄梅戏的纯美、秦腔的壮美……各个剧种各美其美、美美与共，共同构成了中国戏曲百花园的绚烂多彩。其中，唱腔是一个剧种区别于另一个剧种的显著标志和鲜明特征。不同的剧种，其唱腔风格迥异，或高亢激昂，或低回婉转，或清新明快，或缠绵悱恻。这些独特的唱腔不仅体现了各地域的文化特色，更深深植根于观众的心中，成为他们情感共鸣的重要载体。因此，在戏曲的传承与发展过程中，保持剧种特色尤其是唱腔特色是至关重要的，只有这样，才能让观众在欣赏戏曲时，既能领略到不同剧种的独特魅力，又能感受到中国戏曲文化的丰富多彩。

越剧《我的大观园》 图片来源：农民日报微信公众号

  近年来，戏曲界出现了泛剧种化和同质化的趋势，唱腔趋向歌剧化和歌曲化，导致剧种唱腔串味、特色流失。对此，广大观众不太认同。戏曲界需要对此予以警惕，并将其提升到关乎剧种生死存亡的高度来审视——一旦唱腔丧失了剧种特色，便失去了个性，千戏一腔，虽存犹亡。这样的唱腔不仅注水一般戏韵寡淡，观众听来索然无味，而且对表演艺术家形成独特流派也是一种严重制约，阻碍了戏曲艺术多样性发展。中国戏曲的348个剧种，理应是戏曲百花园中斑斓多姿的348种花，而非同质化的单一之花。

  为保持剧种特色，需要注意以下几点：首先，要高度重视对传统唱腔的继承。传统板腔、曲牌承载着剧种丰富的历史信息和文化特质，是剧种的根与魂，每个唱腔设计、每个演员都要把本剧种的传统唱腔板式、固定曲牌烂熟于心。其次，要牢牢把握每个剧种音乐的独特风格和美学特征，守护剧种的独特基因，不能一味“杂交”。再者，唱腔设计应甘于“设计”而非“作曲”。之所以称为“唱腔设计”，是基于戏曲的规律与特点，设计者必须尊重传统，善于继承，在掌握大量曲牌和板腔的基础上，精心设计，合理布局。若唱腔设计变成作曲，以作曲的理念和方法来写戏曲唱腔，将是戏曲发展的误区。最后，演员需要具备一定的创腔能力，在充分继承本剧种传统的基础上融入个人创造。哪怕是他人设计好的唱腔，演员在表演时也要有改造完善的能力，要结合自身嗓音条件，突出优势和特点，将个性发挥至极致，否则，只会填鸭式接受、录音机式输出，再唱也只是被动的“传声筒”。历史经验告诉我们，演员在创腔的过程中有一个很好的合作者，就是乐队的主弦，要充分发挥主弦的作用，一起多调弦、多研磨，相互激发，在不断的推敲中创造出优美的唱腔。

  在保持剧种独特韵味的同时，戏曲唱腔的创新是必要的。但唱腔设计绝不能单纯为了“创新”而盲目求变，更不可为了“作曲”的名头而去任意发挥，甚至东拼西凑、生搬硬套。正如“豫剧皇后”陈素真在总结自己创腔经验时说的那样，唱腔无论怎么创新，“全是在传统唱腔的基础上加工发展的，怎么唱，也没出豫剧的范围”。

  另外，还有一些评价唱腔的客观标准必须坚持，比如“三好”标准：好听、好唱、好学。其中，“好听”是首要的。好的唱腔需优美、流畅，韵味醇厚，给人以酣畅淋漓之感。曾为梅兰芳设计唱腔的“胡琴圣手”陈彦衡也曾强调：“腔调不论新旧，悦耳为上。”那些异化、不顺畅、疙疙瘩瘩的唱腔，怎能令人愉悦？又怎能赢得观众的喜爱呢？“好唱”主要是对艺术家而言的，要演唱自如、游刃有余，充分展现艺术家的独特魅力，让观众听起来也感到舒适。否则，不顾剧情和演员的实际条件，一味地写高音，导致演员声嘶力竭，演员唱着吃力，观众听起来也难受。因此，在确保“好听”的基础上，“好唱”既是对艺术家的尊重，也是对观众的尊重。“好学”同样重要。所谓经典保留唱段，大多是经过同行和观众的广泛传唱而形成的。经典唱段之所以经典，正是因为它们被频繁传唱，深受老百姓喜爱。许多流传下来的唱段，歌词或许并不华丽，但唱腔动听且不复杂，戏迷们张口就能演唱。

  总之，好的戏曲唱腔一定要保持剧种特色，韵味醇厚、流畅悦耳，好听、好唱、好学，这样才能赢得广大观众的喜爱和认同，才能唱得响、传得开、留得住。

  （来源：《中国文化报》2025年7月24日，第7版；作者：陈涌泉，系中国戏剧家协会分党组书记、驻会副主席；图片来源：农民日报微信公众号）